Dušan Makavejev nacido en Belgrado, Serbia era hijo de Sergije Makvejev y su esposa Jelka. Al graduarse de la universidad de Belgrado comenzó a hacer cortos experimentales y documentales.

Dušan Makavejev fue uno de los cineastas más importantes de Yugoslavia. Su cine no tuvo una buena bienvenida en su país, pues desaprobaban de su discurso y de su manera de contarlo. Makavejev era un hombre anarquista y con una mentalidad muy libre y sus películas lo demostraban. La mayoría de ellas abarcaban temas como la sexualidad, la sociedad, la economía y desafiaban los ideales y las formas narrativas comunes de la época. Usaba métodos no convencionales de edición, yuxtapone una serie de imágenes de manera que solamente la edición que genera ya sea una reacción dramática o una humorística. Makavejev declaró una vez que “La estructura narrativa es prisión; es tradición. Es una mentira; es una fórmula que se impone ” También declaró que él escribía el guion a medida que avanzaba su filmación, pues el pensaba que al seguir un guión limitas y restringes una obra cinematográfica.

“El hombre no es un pájaro”

Su primer largometraje fue “El hombre no es un pájaro” de 1965. Toma lugar en una ciudad de Eslovenia en donde una pareja tiene un romance. La película cuenta con imágenes eróticas lo cual fue una revelación para la época y el lugar. Esta obra es un indicador de las desarrolladas obras que Makavejev iba a realizar posteriormente. Contiene temas sobre el sexo, el radicalismo y la realización personal.

“La tragedia de una empleada de teléfonos”

Su segundo largometraje “La tragedia de una empleada de teléfonos” de 1967 que cuenta la historia de una joven operadora de teléfonos que vive con un cazador de ratas que la mata accidentalmente después de que un cartero la seduce. Makavejev utiliza imágenes de cámara en mano y yuxtapone imágenes para crear y representar cierta ironía. Es muy influenciado por Eisenstein y por Godard en donde construye una obra cinematográfica de tipo documental sobre el exterminio de las ratas. Duran tiene un humor muy negro y no tradicional y esto lo colocó como una de las figuras principales del Movimientos de las olas negras de Yugoslavia en los años sesenta.

“Inocencia Desprotegida”

Su tercer cortometraje “Inocencia Desprotegida” de 1968 fue algo muy diferente a sus obras previas. Es un documental sobre una película de 1941 que lleva el mismo nombre que nunca fue estrenada. Cuenta la historia de Dragoljub Aleksić, un cisquero y el escritor de la obra nunca estrenada. Se muestran extractos de la película que nos pueden mostrar que probablemente era un melodrama no muy bueno pero Makavejev nos lo muestra sin timidez. De hecho, el titulo no se refiere a la niña huérfana que es recatada por el héroe en la película original sino se que a las personas que hicieron la película, a las que le rinde un homenaje muy divertido y humorístico.

Alain Cavalier nació el 14 de septiembre de 1931 y es conocido como un cineasta de la “nouvelle vague” o la nueva ola francesa. La película que vimos en clase llamada “Thérèse” de 1986 cuenta la historia de Santa Therese de Lisieux. Me pareció una película muy conmovedora e increíblemente bien lograda. Una de las cosas que más me gustaron fue que toda la película fue grabada en foro y tiene aspectos cinematográficos muy interesantes como las disolvencias a negros. Las escenas son austeras y al mismo tiempo muy ricas. El director logra contar la historia con mucha simplicidad visual y se enfoca mucho en los rostros. La actuación de Catherine Mouchet como Thérèse es realmente increíble.

Una de las cosas que mas me impresionó es que el director es ateo y de igual manera logra crear un retrato sobre una santa de tal manera que empatiza con su personaje y le pertenece fiel a el sin importar sus creencias personales o sus ideologías, en realidad nunca sabes los que el director piensa de Thérèse.

Jean Luc Godard- “Pierrot le fou”

Jean-Luc Godard nació en Paris, Francia el 3 de diciembre de 1930. Es un director de cine muy reconocido que comenzó con el grupo de la nueva ola francesa en los 50s. Su película Pierrot le bou fue un gran éxito y por esto le hablaron para dirigir la película Bonnie y Clyde y declinó la oferta por su intolerancia al sistema Hollywoodense.

En lo personal me pareció una película extraordinaria. Su manera de contar historias es muy diferente a lo habitual. Usa herramientas para crear un tono pero sin hablar de el. Por ejemplo, vemos en la cama un hombre muerto, los personajes no hacen anda al respecto, no se habla del tema, no se sabe porque está ahí pero genera un ambiente.

Otra de las cosas que me encantó de la película fue el final. Recientemente vi una película llamada Thelma y Louise que acaba en suicidio y me pareció realmente ridiculo a comparación de la grandeza con la cual Godard acabo su película. Si, las dos acaban en la muerte de su personaje principal pero de maneras muy diferentes. El arrepentimiento que siente el personaje de Godard al matarse lo hace mucho mas real, mucho mas humanista. La manera en la que se mata es grandiosa, nunca había visto algo que se asemeje. Es una película que tiene muchas escenas que a veces no dicen mucho o que una no tiene un hilo conductor hacia otra pero aun así te cuenta la historia y te pone en el ambiente en el que él quiere que estes.

Giuseppe De Santis fue un cineasta y guionista de nacionalidad Italiana nacido el 11 de febrero de 1917. En 1942 colaboró en el guión de Obsesión de Luchino Visconti, su estilo realista nació con su obra Riso amaro o Arroz amargo en 1949. De Santis fue de los cineastas neorrealistas más idealistas de Italia. Finalmente, falleció en Roma el 16 de mayo de 1997. De Santis se convirtió en uno de los padres del neorrealismo, transmitiendo a través de sus obras cinematográficas la vida real de la clase social trabajadora.

Arroz amargo cuenta la historia de una joven que trabaja en los campos de arroz. Eventualmente, tiene que tomar una decisión entre dos hombres que vienen de clases sociales diferentes. Uno de los temas principales de esta película es el suicidio como escape así como muchas otras películas neorrealistas italianas. Una de las cosas mas importantes de esta obra es la importancia de la fortaleza de las mujeres, física y mental, ya que necesitaban ambas para hacer su trabajo. Esta obra elogia a los limpiadores de arroz de manera que el espectador llega a apreciarlos y a respetarlos.

Marco Bellocchio- “Los puños en el bolsillo”

Marco Bellocchio es uno de los cineastas mas populares en el cine italiano. Nacido el 9 de noviembre de 1939 en Bobbio ha hecho muchas obras cinematográficas incluyendo su opera prima Los puños en los bolsillos en 1965. Se dice ser de las mejores operas primas en la historia del cine. Esta película tiene una fuerza increíble pues aborda temas psicológicos humanos de manera profunda y perversa.

Alessandro, el personaje principal tiene una extraña obsesión con la muerte. Alessandro, toma las riendas de la familia con la intención de quitarle carga a su hermano mayor pero este lo lleva al extremo. Su madre está enferma y siendo esta una carga para la familia Alessandro decide matarla. Es aquí cuando se desencadenan una serie de eventos siniestros y perversos. Bellocchio nos presenta a un personaje increíblemente siniestro y a la vez satírico. Es aterrador al borde de lo ridículo. Al verla se me hizo muy difícil de creer que esta haya sido su opera prima, pues se me hizo una obra increíblemente inteligente y perfectamente realizada para haber sido su primera realización cinematográfica.

Jean Renoir, nacido el 15 de septiembre de 1894 en Paris, fue un cineasta, guionista, productor y escritor muy reconocido. Hijo del pintor Auguste Renoir, el decidió meterse al mundo del cine y lo conquistó. Sus películas son una base esencial para el entendimiento del cine y es esencial para el repertorio de cualquier cineasta.

En este blog hablaremos en dos películas en especifico de este gran cineasta; una llamada Toni y la otra llamada Las reglas del juego. Toni es una película de 1934 y cuenta la historia de Toni un trabajador del otro lado de la frontera que busca trabajo. Toni se involucra de manera romántica con Marie, su casera, pero en realidad quiere a Josefa quien es violada por el jefe de Toni, todo eso desencadena una serie de eventos de gente común y corriente que impide que vivan su vida diaria.

Toni se dice ser la película que sentó las bases de lo que sería el neorrealismo años después. Se pueden preguntar como Renoir, un cineasta francés pudo haber tenido tanta influencia en el cine italiano, pues es muy simple. El primer trabajo neorrealista fue realizado por Luchino Visconti con su película llamada Ossessione de 1942. Visconti fue asistente y un gran admirador de Renoir. La influencia de Renoir en este movimiento es opacado por su gran contribución en el movimiento del realismo francés pero sigue siendo igual de importante.

Las reglas del juego, la última película francesa hecha por Renoir en 1939, es considerada una de las mejores películas de la historia. Es una critica de la sociedad corrupta francesa utilizando la comedia. Trata de una fiesta en una casa aristocrática en donde expone a la sociedad francesa. El titulo se refiere a las reglas del juego entre la clase alta y la clase baja de la sociedad francesa en esa época. La película fue muy criticada cuando salió por primera vez y fue sometida a muchos cortes.

Esta semana en mi clase de Historia del Cine tuvimos la oportunidad de ver todas las obras del cineasta Jean Vigo, que incluyen: Á propos de Nice, Zéro de conduite, L’Atalante y Taris. Jean Vigo es un cineasta muy reconocido nacido en 1934. Jean Vigo era un cineast radical y apasionado. Ninguna de las películas de Vigo tuvo mucho éxito hasta que murió pero el revive en cineastas como Buñuel y Renoir. La razón por la que Jean Vigo tiene tan pocas obras es porque murió muy joven de tuberculosis.

L’Atalante es reconocido como uno de los mejores largometrajes del cine que trata de unos recién casados que comienzan su vida en un barco. Esta obra fue asignada a Vigo por Gaumont. En un principio este largo tenía una historia muy simple pero Vigo logro como dijo Truffaut “filmar palabras y actos prosaicos y lograr la poesía sin esfuerzo”. Tristemente, la obra le pareció una basura a Gaumont y ahora es reconocida como una obra maestra.

Taris fue la segunda película que hizo Vigo, es un cortometraje que retrata a un campeon de natación que es relatado con muy buena edición y filmación. Con este corto el logro mostrar de manera visual una realidad y mientras tanto lo logra de una manera muy estilizada y muy unica.

Á propos de Nice es una satira de lo que es la burguesía en la ciudad de Niza. Tiene imágenes muy emblemática como una mujer vestida en ropa muy moderna y después aparece desnuda o también compara a una mujer arrogante con un abrigo de piel a una avestruz. Todas estas imágenes nos demuestra que es una película que toca el tema social.

Zéro de conduite, mi favorita, es una historia de la rebelión de unos niños que viven en un internado, este medio metraje fue prohibido hasta después de la Segunda Guerra Mundial. Una de las cosas que hacen esta película maravillosa es la libertad creativa que se da Jean Vigo por los problemas técnicos de grabación. Vigo se opone a la escuela represiva de la película. Lo increíble de Zéro de Conduite es que no es un lugar común en donde suceden cosas raras sino un universo que todos conocemos. La trama no es lo que dicta el mensaje que quiere transmitir Vigo, eso es lo increíble , él interpreta lo real.

Fue muy gratificante poder salir de una clase y decir que había visto todas las obras de un gran cineasta que si ha cambiado el cine. Es un emblema de la poética realista francesa y tiene obras increíbles con mucho que dar de manera estilística, técnica y narrativa.

No me siento en una posición para criticar películas de directores tan aclamados y geniales pero si en una para platicar de ellas 🙂

Cinema is the most beautiful fraud in the world – Jean-Luc Godard